por Alessandro Caldeira__

por Kamila Ataíde__

Andrei Tarkovscki é um gatilho, um convite à memória. Foram às minhas lembranças mais caras da infância a que fui atirada. Quando recebi o impulso de escrever sobre ele, pensei que das tantas coisas as quais eu o atribuo, a que eu poderia falar com mais propriedade e, aliás, a mais presente quando lembro das suas obras, é o impacto emocional e afetivo ao qual ele me lança sobre minha própria vida, mais especificamente, sobre a minha infância. Fui rememorando cada um de seus filmes e noto que há sempre uma sensação de nostalgia em mim impactada pelas representações intensas e pungentes de cada momento em que ele projeta um traço de memória. Particularmente, as minhas lembranças mais ternas da infância se desenham na minha mente exatamente com determinadas características de cores e texturas de algumas das suas películas. Isso não só acontece com memórias reais, mas com alguns dos meus sonhos mais significativos. 

Tarkovscki trouxe uma verdade onírica e humana às narrativas, que através das características visuais e linguagem fotográfica escolhida por ele me atira sobre cenas calorosas dos 5 ou 6 anos de idade, como também aos sonhos mais conflitantes. A rua da minha casa às 7 horas da manhã, as tardes chuvosas e à meia luz, assistindo TV na companhia da minha avó sentada na cadeira de balanço - fui levada a essa memória ao assistir Nostalgia (1983) e me deparar com a cena do quarto de hotel, onde o personagem Gorchakov está deitado na cama e a iluminação vai se modificando aos poucos no quarto, os cachorros que tive,  a tarde em um sítio de algum parente, em algum lugar do mundo, as correrias de fim de semana no meio da rua. 

Revisitando alguns trechos do filme O Espelho (1975) para escrever esse texto, fui arrebatada por memórias inéditas de algum lugar no espaço-tempo da minha infância. Apenas alguns flashes de um campo arborizado, pessoas muito altas por perto e uma luz de fim de tarde. Andrei ainda dota desse poder. A cada vez em que paro para revisitar alguns de seus filmes, eles extraem de mim alguma cena esquecida e guardada no fundo da memória.

                                                                                                             O Espelho (Andrei Tarkovski, 1975)

Nesse mesmo filme, O Espelho (1975), Tarkovscki traz uma leitura da própria vida através do paralelo entre passado e presente e sugere - através de algumas características do filme como a utilização dos mesmos atores para personagens diferentes – a percepção de como algumas vidas são reflexos de outras, como uma reprodução hereditária de comportamentos. Isso me faz pensar sobre como vi e ainda vejo algumas histórias da minha família se repetirem com o passar das décadas. Cada uma das películas me convidou, em determinado momento, a viajar no tempo até algum instante considerado importante para a cabeça de uma criança entre os 4 e os 10 anos. E cada uma dessas películas também me convidou à refletir como os elementos de uma linguagem fotográfica, seus aspectos técnicos, dramáticos, suas composições, a iluminação, a música, o silêncio em momentos cruciais, são capazes de inspirar e encaminhar o espectador a regiões tão pessoais da própria vida e, por mais destoante que possa ser a realidade da personagem com a do espectador, ainda assim, gerar algum segundo de identificação e viagem no tempo. Tarkovscki é realmente um convite à memória, a dele e a nossa, da forma mais sensível e humana que se pode fazer.

_____________________________________

Andrei Tarkovski nasceu em 1932, na extinta União Soviética. Filho de uma atriz e de um poeta, foi criado pela mãe (seu pai abandonou a família quando Tarkovski tinha cinco anos). Formado em geologia, mas apaixonado pela sétima arte, cursou a Escola Soviética de Cinema (VGIK). Dirigiu A Infância de Ivan (1962), Andrei Rublev (1966) Solaris (1972) e Stalker (1979), Nostalgia (1983), O Sacrificio (1986) entre outros títulos. É considerado um dos maiores cineastas do século 20 e talvez seja apenas superado, em grau de importância no cinema russo, por Sergei Eisenstein.
Faleceu em 1986 em consequência de um câncer no pulmão.

________________________________________________

Kamila Ataíde é comunicóloga, fotógrafa e produtora do projeto  Noites Recife Lo-Fi.

por Taciana Oliveira__  

Limite, Dir. Mário Peixoto

por Taciana Oliveira__

Poeta, artista visual, produtor cultural e editor literário. Baga Defente é múltiplo e incansável. Há tempos que a gente queria publicar essa entrevista. Há tempos que ela precisava acontecer. Equilibramos nossas agendas e o resultado de nossas conversas compartilhamos agora.

Baga Defente

por Taciana Oliveira__

O cineasta americano Martin Scorsese, diretor de filmes como Taxi Driver, O Touro Indomável e os Bons Companheiros afirmou na revista Empire que suas tentativas de acompanhar os filmes contemporâneos de super-heróis fracassaram:

Por Taciana Oliveira____

por Fernando de Souza__

APRENDENDO A VIVER COM A SOLIDÃO DO MORRER

morte, não sejas orgulhosa

apesar de alguns te chamarem terrível e poderosa

tal não serás

aqueles que pensas teres deixado para trás

não morrem, pobre morte,

nem a mim podes levar

após um breve sono, acordamos eternamente

e a morte deixará de existir,

morte, tu também morrerás

(John Donne)

Emma Thompson

por Fernando de Souza__

..Não dá pé, não é direito

Não foi nada, eu não fiz nada disso e você fez um

Bicho de sete cabeças

Não dá pé, não tem pé nem cabeça

Não tem ninguém que mereça, não tem coração que esqueça...

(Zé Ramalho)

A expressão popular “bicho de sete cabeças”, assim como “fazer muito barulho por nada”, refere-se à (infindável) capacidade humana de projetar seus medos, ansiedades e angústias em situações aparentemente sem grandes repercussões factuais. Este “bicho” nos lembra a Hidra de Lerna, monstro da mitologia grega, também com várias cabeças, e que tinha a capacidade de regenerá-las toda vez que uma era cortada, crescendo outras em seu lugar. Via de regra, o grande problema dos “bichos de sete cabeças” é justamente este: assim como a Hidra, eles tendem a tomar proporções maiores do que as reais, especialmente quando mal ou não resolvidos...

Neto, personagem interpretado por Rodrigo Santoro, vive com seus pais e sua irmã mais velha, e frequenta o Ensino Médio. É um adolescente comum, com as dificuldades de relacionamento com os pais, dúvidas e conflitos, como outros de sua fase. Usa maconha esporadicamente com seus colegas, por lazer (ou falta dele!), embora mantenha conservados os vínculos familiares, sociais, escolares, etc. Certo dia, Neto e seus amigos, num ato de rebeldia, vandalizam e picham um prédio, somente ele é preso pela polícia e solto mediante a presença de seus pais: ele, autoritário; ela, passiva. A partir deste evento e da posterior descoberta, por seu pai, de um cigarro de maconha no bolso de sua roupa, a vida de Neto vira de cabeça para baixo, com sua internação compulsória num hospital psiquiátrico, autorizado por sua família, para um pretenso tratamento para dependência química - apesar de nenhum exame laboratorial, avaliação psiquiátrica ou psicológica ou sequer entrevista ser realizada durante sua internação – baseado exclusivamente na administração de medicamentos e exposto à realidade de pacientes dos mais variados problemas de saúde mental e de graus de gravidade clínica. Após um período de ressocialização malograda, acontece uma segunda internação noutra instituição, com efeitos terapêuticos e sequelas psicológicas igualmente desastrosas. A nova internação nem surte os “resultados esperados” (por quem?) como, ainda por cima, desestabiliza ainda mais a saúde mental de Neto, novamente entregue a um tratamento desumano, irresponsável e ineficaz. O que não era, até então, um grande problema, agora o é. Um bicho de sete cabeças.

O filme Bicho de sete cabeças (direção de Laís Bodanzky, 2001 ) nos possibilita várias reflexões. Numa esfera subjetiva - embora representativa da realidade de muitos jovens, tomando Neto como seu representante - pensamos nas experiências de descoberta e de rebeldia durante a adolescência, os conflitos geracionais presentes nas dinâmicas familiares, causados pelo autoritarismo, repressão, incompreensão e falta de abertura, e os impactos destas relações na vida afetiva e no comportamento dos adolescentes. Podemos refletir também na dificuldade em aceitarmos o “diferente” (eufemismo para “perturbador” ou “indesejável” tanto nos indivíduos de conduta transgressora juvenil como naqueles acometidos por psicopatologias, por apresentarem comportamentos “excêntricos” (outro eufemismo, desta vez para “inadequado”, “incômodo” ou “desagradável?). Ambos os “perfis” são frequentemente rotulados como desviantes e, em consequência, estigmatizados e marginalizados.

Entretanto, há uma reflexão – senão uma crítica – imprescindível neste filme: trata-se de um símbolo da luta antimanicomial no Brasil. Bicho de sete cabeças é baseado no livro Canto dos malditos, de Austregésilo Carrano Bueno, que conta suas experiências de internação em hospitais psiquiátricos, similares às de Neto.

___________________________________

Fernando de Souza é psicólogo em formação, mestre em Letras e bacharel em Comunicação pela UFPE. Publicou artigos acadêmicos em Psicologia, concorreu e recebeu alguns prêmios de poesia entre 1991 e 1995.

por Felipe Rocha___

por Taciana Oliveira___

Escrevo ainda “sofrendo” o impacto de assistir Todas as coisas que brilham. Rapidamente faço uma busca para conhecer detalhes da produção do filme e encontro uma matéria no The Washington Times celebrando a estréia da peça  em Nova York:

Every Brilliant Thing no Barrow Street Theatre é talvez uma das peças mais animadoras e alegres para ver neste inverno, mesmo que se aprofunde sobre o tema suicídio e você seja solicitado a ler algo em voz alta.

Explicando: Todas as coisas que brilham é um documentário dirigido por Fenton Bailey e Randy Barbato, que capta durante dois dias, três apresentações, com platéias diferentes, de um monólogo que tem como tema a depressão e o suicídio. A dramatização é conduzida genialmente pelo o ator e músico inglês Jonny Donahoe e pela platéia, que é convidada a atuar em algumas trechos do espetáculo.

O texto é baseado no conto de Duncan Macmillan. Donahoe é o responsável por adaptá-lo para a versão teatral.

O filme e a peça nascem de uma lista elaborada por um filho para sua mãe, que sofre de depressão crônica, Uma tentativa de provar o valor de se viver cada instante da vida. Antes de começar o espetáculo Donahoe distribui pedaços de papel e orienta o público a ler alguns dos itens dessa lista, onde podemos encontrar coisas como: posso me vestir como lutador mexicano, ficar acordado até tarde e poder ver TV, sorvete, guerra de água, a cor amarela, coisas listradas, montanhas russas, chocolates, usar capa, ter uma música perfeita, sexo, passar a noite conversando com alguém, chá com biscoitos...

Jonny Donahoe

Confesso que fiquei um pouco confusa ao determinar o gênero do filme como documentário. Fiz alguns questionamentos que divido com vocês: 

A narrativa teatral é o instrumento principal do filme? O ato de apresentar os bastidores e a preparação da platéia configura como um documentário observativo? A inserção de imagens adicionais para complementar o roteiro é um artifício de uma narrativa poética documental? Teatro filmado é teatro?

Independente de qualquer resposta, Todas as coisas que brilham é um exercício artístico que bebe da fonte de várias linguagens e suportes. Fiquem atentos na maravilhosa playlist, na fotografia em preto e branco e na delicada montagem escolhida  para o filme.

Jonny Donahoe é um ator espetacular. Ele consegue expor um tema tão doloroso  de uma maneira educativa e peculiar. Segundo dados da Organização Pan-Americana da Saúde - OPAS, o suicídio é a segunda principal causa de morte entre jovens com idade entre 15 e 29 anos. 

Todas as coisas que brilham nos convida a dançar, chorar e viver. O filme transborda sentimento.Finalizo o texto partilhando alguns itens da minha lista:

Nadar no mar em dia de sol com chuva (sempre tem um arco-íris no horizonte)

Conversar bobagens com os amigos

Criar playlists com meu filho

Pudim

Café

Abraço

Ser solidária

Ouvir o silêncio

Cheiro de livro novo

Amar e mudar a coisas...

* Disponível na HBO GO

_____________________________________________________

_____________________________________________________

Taciana Oliveira é mãe de JP, cineasta, torcedora do Sport Club do Recife, apaixonada por fotografia, café, cinema, música e literatura. Coleciona memórias e afetos. Acredita no poder do abraço. Canta pra quem quiser ouvir: Ter bondade é ter coragem

por Taciana Oliveira__

por Taciana Oliveira__

Muitos da minha geração só tomaram conhecimento sobre a existência de Quincy Jones depois do sucesso estrondoso de Thiller, de Michael Jackson. Produtor do célebre álbum que dominou as rádios na década de 1980, Quincy já era um nome de destaque no cenário artístico. Conhecer seu itinerário na música é enveredar por acordes e cenas históricas dos séculos 20 e 21, é descortinar o passado recente da segregação racial nos EUA, é enaltecer a genialidade de um homem, que mesmo em momentos cruciais descobriu o caminho para a redenção.

Trompetista, aos 14 anos já atuava em bandas de jazz. Aos 18 anos foi convidado para fazer parte da banda de Lionel Hampton. Nos anos seguintes se consagra como um dos principais arranjadores da música americana. Ganhador de 27 Grammys, produtor e amigo de Ray Charles, Frank Sinatra, Dinah Washington, Peggy Lee e Sarah Vaughan, ele encontrou fôlego para investir na indústria cinematográfica. A Cor Púrpura , dirigido por Steven Spielberg, nasceu da determinação e ousadia de Quincy Jones em atuar na produção executiva e musical do filme.

Sua trajetória é revista no documentário Quincy, dirigido por sua filha Rashida Jones e por Alan Hicks. O filme traz um rico acervo iconográfico e resgata não apenas a personagem do produtor e arranjador. Quincy Jones expõe detalhes da infância, fala dos seus casamentos, do amor incondicional pelos sete filhos, da mãe com esquizofrenia e da rotina prolífica nos estúdios de gravação. Um dos momentos  geniais do documentário é o reencontro de Quincy com os profissionais que participaram da realização de Off the Wall, de MichaeL Jackson. O compositor Rod Temperton, o engenheiro de som Bruce Swedien, o teladista Greg Phillinganes, o baixista Louis Johnson , o baterista John Robinson, o trompetista Jerry Hay, e o percussionista Paulinho da Costa tocam algumas faixas do emblemático álbum produzido por Jones.

Vale lembrar que o pai de Rashida (ela pode ser vista em algumas sequências do filme) também é produtor da série Um Maluco no Pedaço, e organizou o evento de abertura do Museu Nacional de História e Cultura Afro em Washington. O trecho em que Quincy Jones retorna à casa de infância é talvez um dos mais significativos momentos da narrativa do documentário. Contra todos os prognósticos o menino Quincy se transformou em um ícone da música americana, em um pai amoroso. Um homem de uma biografia apaixonante.

*Pra viajar, dançar e se embriagar nessa celebração a Quincy

________________________



Taciana Oliveira é mãe de JP, cineasta, torcedora do Sport Club do Recife, apaixonada por fotografia, café, cinema, música e literatura. Coleciona memórias e afetos. Acredita no poder do abraço. Canta pra quem quiser ouvir: Ter bondade é ter coragem.

por Taciana Oliveira___

O documentário Virando a mesa do Poder, (Knock Down The House, Direção de Rachel Lears), revela os bastidores da campanha de Alexandria Ocasio-Cortez, fenômeno político que obteve vitória esmagadora nas primárias do Partido Democrata, no 4º Distrito Congressional de Nova York. Alexandria é descendente de latinos, com formação em relações internacionais, mas trabalhava como garçonete para ajudar a família depois da morte do  seu pai: "Ser garçonete me ajuda nesta corrida porque sei como é trabalhar sob pressão 14 horas por dia."

O filme conta com a participação de outras três candidatas: Paula Jean Swearingen pela Virgínia Ocidental, Cori Bush, pelo Missouri e Amy Vilela, por Nevada. Todas romperam a mola que impulsiona o establishment nas eleições legislativas de 2018. Recusaram a contribuição de empresas nas suas campanhas,  a participação de velhos nomes do Partido Democrata e a atuação da mídia tradicional. Optaram por financiamento coletivo e doações de eleitores. Essas mulheres ousaram levantar pautas como a da gratuidade do ensino superior e da prestação de serviços de saúde, além de sugerir a criação de políticas ambientais de combate à mudanças climáticas e a construção de uma economia justa para os mais pobres.

Alexandria Ocasio-Cortez foi eleita para uma das cadeiras do Congresso, se transformou em sucesso espontâneo nas redes sociais e foi capa da revista Rolling Stone. É importante conhecer o antes e depois de cada candidata. As suas histórias se conectam em trajetórias de perdas e lutas. Cada uma em sua geografia afetiva e no dia a dia da sua realidade social.

O documentário venceu o prêmio da audiência no Festival Sundance. A produção também é cria de uma campanha na plataforma de microfinanciamento Kickstarter. Virando a mesa do Poder resgata em nós a crença que é possível e necessário realizar mudanças. Agora mais do que nunca é urgente perseverar .

_______________________

Taciana Oliveira é mãe de JP, cineasta, torcedora do Sport Club do Recife, apaixonada por fotografia, café, cinema, música e literatura. Coleciona memórias e afetos. Acredita no poder do abraço. Canta pra quem quiser ouvir: Ter bondade é ter coragem.

por Cristina Huggins___

De tanto olhar as grades, seu olhar

esmoreceu e nada mais aferra.

Como se houvesse só grades na Terra:

grades, apenas grades para olhar.

Rilke, A pantera

Os versos do poeta expõem o triste fim de uma pantera, cerceada de seu ambiente natural. Para o felino, a liberdade é pretérita; seu presente, a jaula de um zoológico. Contrastes entre uma cidade do passado, mais generosa e hospitaleira, refúgio e conforto de seus habitantes, e outra, atual, inóspita e tirana com os cidadãos, permeiam a memória dos mortais que residem na urbe registrada por Taciana Oliveira.

Quantos gritos cabem no silêncio dessa cidade? O média-metragem da diretora é também uma pergunta que rouba o sossego. No filme, a cidade é melancólica, assombrada pelo descaso e pela incerteza. Suas personagens, “panteras-bípedes”, aprisionadas nessa urbe nada gentil, deambulam pelas ruas, atormentadas em meio à nostalgia e à angústia. Uma delas vagueia até esbarrar na mesma porta. Confere a residência, velha conhecida, e tomba o corpo fatigado na mesma cama. É noite. É dia. É noite. É dia. É noite. É dia... Desperta, sufocada por um cotidiano linear.

“Uma cidade é um corpo de pedra com um rosto”, escreveu Machado de Assis. Taciana mostra o rosto de sua cidade. Ousada, evita obviedades. Escolhe uma vereda tortuosa para dialogar com o espectador. Dispensa a narrativa esperada, conduzida pela palavra, e constrói uma crônica imagética que flerta com a música. Na tela, passeiam tipos insones, alucinados, atordoados, perdidos; mas igualmente solidários, generosos, puros e, às vezes, confiantes. Ela incorpora cada um deles como alter egos e convoca a sociedade à reflexão.

O destemor e a singularidade da cineasta chamam a atenção. É preciso valentia para fazer perguntas lancinantes e cortar o próprio músculo. Ela tem essa coragem. Não receia sangrar. Como Saramago, brada aos sete ventos: “Se tens um coração de ferro, bom proveito. O meu, fizeram-no de carne, e sangra todo dia”. Seu trabalho é faca amolada. Fere, mas também emancipa. As cores incidentais, a generosidade de pessoas de uma comunidade humilde e a inocência de uma criança-anjo — punctum de uma cena hostil —, entremeadas no cenário sombrio do filme, acenam para respostas e uma esperança de cidade harmônica possível.

Neste e-book, estão reunidos frames e fotografias da diretora, textos de convidados, e de escritores selecionados por ela para integrar a edição. Apreciar esse material é empreender uma jornada pela visão de Taciana sobre viver e conviver nas metrópoles de hoje. O e-book e o média-metragem fazem parte dos trabalhos levados ao público pela Galeria do Meio-dia, projeto da Garagem 94, em 2018. 

________________________________________

Cristina Huggins é especialista em Linguística aplicada(UFPE). Tem formação em Estudos Hispânicos (Salamanca, Espanha). Sua experiência inclui ensino, pesquisa, produção de textos e tradução.

__________________________


Abaixo você pode assistir o trailer do filme e  visualizar o catálogo da exposição.

Sociedade dos Poetas Mortos, Direção de Peter Weir, 1990

por Erica Guerra e Ronney Diniz

Sociedade dos Poetas Mortos é um drama dirigido por Peter Weir e estrelado por Robin Williams. Foi um dos filmes mais marcantes do cinema norte-americano da década de noventa e faz uma crítica ao sistema de ensino tradicional.

A história se passa nos Estados Unidos, no ano de 1959, numa instituição de ensino tradicional chamada Academia Welton, considerada um das melhores escolas da época. O drama gira em torno de John Keating (Robin Williams), um professor e ex-aluno da instituição que lecionava na Chester School, em Londres, e é chamado para substituir o agora aposentado professor de Literatura.

A escola para rapazes de ensino médio tem cem anos de história e possui como ideal didático um ensino rígido e inflexível como o que se vê no universo militar. A filosofia de ensino está baseada em quatro pilares: a tradição, a honra, a disciplina e a excelência. Inclusive no próprio uniforme dos alunos que utilizam ternos com vários brasões.

por Taciana Oliveira___

No último mês de março o Centro Cultural Banco do Nordeste em Fortaleza promoveu A Imagem da Palavra: Oficina Criativa de Narrativas Visuais. Na programação conceitos básicos sobre as afinidades das narrativas literárias e cinematográficas. Foram três dias de conversas, atividades teóricas e práticas relativas à concepção de roteiros para a produção de quatro videopoemas.

por Taciana Oliveira___


"Que época maravilhosa!" Ditadura de esquerda ou de direita é ditadura. Torturador não é herói, não merece homenagens. Quem legitima ódio, violência e preconceito não me representa.

_____________________________

___________________

Taciana Oliveira é cineasta, torcedora do Sport Club do Recife, apaixonada por fotografia, café, música e literatura. Coleciona memórias e afetos. Acredita no poder do abraço. Canta pra quem quiser ouvir: Ter bondade é ter coragem

por Taciana Oliveira__

Jane Fonda em cinco atos é um documentário que aborda a trajetória da atriz a partir do resgate de suas memórias e relacionamentos afetivos. Filha do ator Henry Fonda, refém emocional da trágica morte de sua mãe, Jane relembra seus três casamentos, escancara suas fragilidades e reconstrói o período significativo de sua militância. Feminista desde sempre, a narrativa do documentário revela uma mulher ainda profundamente conectada com o futuro.

por Taciana Oliveira__

As Duas Mortes de Sam Cooke é um documentário que aborda a trajetória do cantor e compositor considerado por muitos o pai da Soul Music ou o Rei do Soul. Sam Cooke foi um dos primeiros e mais importantes artistas militantes dos direitos civis americanos. Filho de um pastor evangélico, criado em Chicago, começou sua carreira musical cantando em igrejas até tornar-se vocalista de uma banda gospel. Anos depois foi contratado por uma grande gravadora e sua voz ganhou as rádios americanas. Por sua elegância e suavidade na interpretação, no início da carreira passou a ser comparado a Frank Sinatra.

Visionário, em uma época que as grandes gravadoras dominavam o mercado, investiu na criação de um estúdio de gravação voltado exclusivamente na valorização e contratação de músicos negros. Era amigo de Muhammad Ali, Malcolm X, Smokey Robinson e de tantos outros nomes que contestavam a política segregacionista do governo americano. Cooke era o segundo maior nome em vendas da gravadora RCA, ficando atrás apenas de Elvis Presley. Talento incontestável, morreu aos trinta e três anos em circunstâncias até hoje não devidamente esclarecidas. Seu legado musical inspirou gente como Marvin Gaye, All Green e Michael Jackson. Inspirado em Bob Dylan, que escreveu Blowin' in the Wind, Cooke compôs Change is gonna come, canção que virou o hino dos direitos civis nos Estados Unidos. Seus versos foram citados no discurso de posse do presidente americano Barack Obama em 2014.

A direção do documentário é de Kelly Duane . O filme é costurado por depoimentos de familiares, amigos e fãs, e ainda conta com as participações de Quincy Jones e Dionne Warwick. Abaixo uma playlist de grandes sucessos de Sam Cooke e o trailer do filme.

I was born by the river in a little tent

Oh and just like the river I've been running ever since

It's been a long, a long time coming

But I know a change gonna come, oh yes it will

It's been too hard living but I'm afraid to die

Cause I don't know what's up there beyond the sky

It's been a long, a long time coming

But I know a change gonna come, oh yes it will

I go to the movie and I go downtown

Somebody keep telling me don't hang around

It's been a long, a long time coming

But I know a change gonna come, oh yes it will

Then I go to my brother

And I say brother help me please

But he winds up knockin' me

Back down on my knees

There been times that I thought I couldn't last for long

But now I think I'm able to carry on

It's been a long, a long time coming

But I know a change gonna come, oh yes it will

A Change Is Gonna Come, Sam Cooke

                                                                    ------


Taciana Oliveira é cineasta, torcedora do Sport Club do Recife, apaixonada por fotografia, café, música e literatura. Coleciona memórias e afetos. Acredita no poder do abraço. Canta pra quem quiser ouvir: Ter bondade é ter coragem.

por Taciana Oliveira___

Sim, Boneca Russa merece uma maratona. Assisti de um fôlego só. A série tem um roteiro inteligente, uma narrativa enxuta construída por diálogos hilários. A ironia e o loop atemporal que permeia os oito episódios são a fonte de sustentação para o desenvolvimento dos conflitos psicológicos das personagens. Porém, nem tudo na série é motivo pra gargalhada. Rir de tudo em Boneca Russa é sinal de desespero.

Natasha Lyonne

A história começa na comemoração do aniversário de Nadia (Natasha Lyonne), que após um acidente “fatal” mergulha em uma espiral de repetições diárias com efeitos diferentes para determinadas situações de sua existência. Nessa viagem é possível vislumbrar passagens determinantes na formação de sua personalidade, e perceber que o seu envolvimento com o mundo estabelece consequências inevitáveis para quem a cerca. Com um elenco extremamente afinado, uma montagem ágil e uma trilha sonora que te pega no primeiro verso de Gotta Get Up, de Harry Nilsson, a série é uma caixa de referências pop que vão desde a citação do filme Vidas em Jogo de David Fincher até o nome da empresa onde Nadia trabalha, Rock and Roll Games, uma homenagem explícita a produtora Rockstar Games, das séries Grand Theft Auto e Red Dead Redemption.

Fuja do clichê “mais um roteiro parecido com o filme Feitiço do Tempo.” A produção em questão não é o primeira a utilizar do mesmo recurso narrativo. La jetée, um curta-metragem de ficção científica, dirigido pelo francês Chris Marker em 1962, já apostava na fórmula. Há dezenas de outros títulos que utilizam dessa ferramenta criativa para criar histórias que transcendem além do loop atemporal e da viagem no tempo. Boneca Russa não é uma simples comédia de costumes. A proposta das roteiristas Natasha Lyonne, Leslye Headland e Amy Poehler, extrapola comparações simplistas com o filme de Harold Ramis. Fuja dessa premissa e dê o play no primeiro episódio.

                                                                              ------

Taciana Oliveira é cineasta, torcedora do Sport Club do Recife, apaixonada por fotografia, café, música e literatura. Coleciona memórias e afetos. Acredita no poder do abraço. Canta pra quem quiser ouvir: Ter bondade é ter coragem.